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Dans l'atelier de Germán Bel (Fasim) : pionnier de l'art urbain espagnol

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Par Art Shortlist13 min
20/09/21

Nous avons eu la chance de rencontrer le peintre et graffeur Germán Bel dans son atelier situé tout près de Valence en Espagne. Ce pionnier du street art espagnol s'est prêté au jeu du question réponse.


Interview de Germán Bel aka Fasim

Bonjour Fasim, merci de nous recevoir et de prendre le temps de répondre à nos questions. Comment avez-vous commencé à peindre ?

Bonjour les amis de Art Shortlist, c'est un grand plaisir pour moi de vous répondre.

J'ai commencé à peindre quand j'étais encore un enfant, il semble que nous apprenions à peindre avant d'apprendre à parler. Pour ma famille, je semblais un peu autiste parce que j'étais toujours très calme et silencieux quand ils allaient voir si quelque chose se passait, inquiets, ils me trouvaient en train de dessiner. Je me souviens d'avoir créé ma première œuvre vers l'âge de 6 ans, c'était une crucifixion sur un vieux drap et c'était dans la maison de mes grands-parents maternels où je vivais, sans doute à cause de l'influence religieuse que je recevais d'eux car ils étaient très croyants.

À l'école, j'étais tellement dispersé en classe que lorsque les professeurs me demandaient quelque chose et que je revenais à la réalité, je ne savais pas de quoi ils parlaient ou ce qu'ils m'avaient demandé, parce que je dessinais, je ne faisais rien d'autre même en classe, je remplissais mes cahiers d'école de haut en bas de dessins et de croquis. Je me rebellais contre tout, j'étais un enfant difficile, j'avais de nombreuses altercations avec les professeurs, mais je faisais mon propre truc, je voulais juste peindre.

Le quartier où j'ai grandi s'appelle La Trinidad, c'est un quartier de la banlieue de Barcelone, il y avait beaucoup de problèmes de délinquance, donc je ne sortais pas beaucoup. Je passais mon temps à me concentrer sur le dessin, je faisais beaucoup de bandes dessinées et je lisais aussi beaucoup. Ma grand-mère cousait et brodait, elle faisait d'énormes broderies florales et je dessinais à côté d'elle.

Chez moi, les carreaux du sol de la maison avaient des formes très suggestives et j'avais un jeu avec eux qui consistait à composer des figures impossibles, très drôles et je les marquais au crayon pour ne pas les perdre, c'est devenu quelque chose de très sérieux pour moi. Je pense qu'il s'agissait de mes premières interventions d'art urbain. Ce jeu paréidolique deviendra la base de mon travail ultérieur, même si à l'époque je n'étais pas conscient qu'il s'agissait d'un jeu, pour moi c'était quelque chose de vital. Quand le boom du Hip Hop est arrivé à Barcelone, en réalité j'étais déjà très préparé pour me lancer dans une tendance qui était en marge de l'établi, c'est ce qui m'attirait le plus : pouvoir me rebeller contre une oppression systémique qui étouffait toute ma créativité spontanée.


Pouvez-vous nous expliquer la signification et l'origine de votre nom "Fasim" ?

Mon surnom "Fasim" vient d'une succession de noms précédents, il vient du graffiti, de l'écriture originale et j'ai commencé à l'écrire dans la rue, lorsque le phénomène Hip Hop a émergé en Espagne au milieu des années 1980, ce qui a été une véritable révolution culturelle, à cette époque je peignais sur tout ce qui me tombait sous la main ; crayons de couleur, laques pour cheveux, les pinceaux oubliés des ouvriers, les laques utilisées par les ouvriers pour peindre le sol, du vernis, des livres scolaires, les murs de ma chambre, mes chaussures, mon cartable...

C'est ainsi que j'ai commencé, influencé par les films américains sur le Break Dance, comme Beat Street, bien que la véritable émergence du graffiti en Espagne ait été le film de Henry Chalfant et Toni Silver ; Style Wars (1983), avec lequel nous pouvions comprendre clairement le phénomène qui s'était développé dans les wagons du métro de New York, ce film était comme la pierre angulaire qui traduisait pour nous (comme Champollion avec la pierre de Rosette), un monde loin de nous, jeunes rebelles espagnols enthousiastes qui voulaient aussi suivre cette tendance artistique.

Germán Bel aka Fasim dans son atelier

Des années plus tard, j'ai eu la chance de rencontrer Henry Chalfant pendant quelques jours alors que nous l'aidions à monter son exposition intitulée : Graffiti, art or vandalism? Je lui ai posé beaucoup de questions et il m'a traduit beaucoup de choses à partir du livre Subway Art et de certains diaporamas qu'il nous a montrés, il s'agissait de phrases ou de concepts que je ne comprenais pas et il m'a patiemment expliqué ; ce groupe est tel ou tel, l'argot new-yorkais...

C'est dans ce premier moment que j'ai commencé à écrire : "Fase1", qui a été mon premier nom sérieux, celui qui m'a défini et m'a fait connaître dans le milieu, bien que je n'ai cessé de le modifier jusqu'à aboutir à Fasim, parce que c'était le groupement de lettres qui me plaisait le plus. Il se trouve que Fasim est un nom propre en Inde, et bien qu'il n'ait aucun rapport apparent, c'est en fait un pur hasard.


Quelles sont vos sources d'inspiration ? Quels artistes vous touchent particulièrement ?

Depuis de nombreuses années mes influences viennent des artistes, peintres, musiciens, écrivains, poètes, artisans de tous les pays du monde, l'art est un langage universel qui unit les gens d'une manière surprenante, il ne parle aucune langue et à l'autre bout du monde quelqu'un peut comprendre et apprécier votre travail. Maintenant, avec l'Internet, il est fascinant de voir le pouvoir de transmission et de proximité qui se produit entre les pays et les artistes, alors que les gouvernements semblent vouloir nous maintenir en désaccord, avec des guerres et des différences de toutes sortes (sexe, couleur de peau, idées religieuses...) l'art nous encourage à nous rapprocher, à être un peuple commun, à avoir une vision commune, sans différences.

Quand j'ai commencé dans l'art urbain je n'avais pas de grandes connaissances sur l'art et ce qui m'intéressait le plus c'était de peindre dans la rue, vous savez, la jeunesse et l'amusement, mais tout a changé lors d'un voyage que j'ai fait à Paris en 1989-1990, parce que j'ai eu la chance d'être invité pour quelques jours dans l'atelier de JonOne à l'Hôpital Éphémère dans le quartier de Saint-Denis et j'ai pu voir de près tout le développement qui avait commencé en Europe sur la toile, parce que sans aucun doute c'est dans cet atelier que tout a commencé. Ils ont été influencés ou inspirés par des artistes comme Rammellzee ou A-One, les véritables pionniers de l'art urbain en tant que discipline artistique, influencés à leur tour par la grande star du néo-expressionnisme abstrait : Jean-Michel Basquiat.

J'ai pu voir la grande collection d'œuvres sur toile que Jon avait dans sa maison ; Lady Pink, Lee Quiñones, Rammellzee, Daze ou Crash, parmi beaucoup d'autres. C'était la première fois que j'étais en contact avec ce genre d'artistes et quelque chose a remué au plus profond de moi, les pulsions qui étaient gelées ont dégelé de manière brutale et ma créativité s'est élancée dans plusieurs directions en même temps. J'ai donc été profondément influencé par une cascade d'artistes lors de ce premier voyage à Paris, que je considère comme mon grand voyage initiatique de jeunesse. De retour à Barcelone, j'ai pu repérer les galeries d'art qui étaient à l'époque les plus avant-gardistes et j'ai commencé à visiter de nombreux musées également, j'ai apprécié de nombreux artistes tels que : Joan Miró, Antoni Clavé, Georges Braque, Picasso ou Antoni Tàpies.

Avant ce voyage, Futura 2000 était venu à Barcelone quelques années auparavant pour faire une exposition à la galerie Arcs & Cracs, donc en tant qu'enfant j'ai été témoin du passage du graffiti et de l'art urbain élevé à la catégorie d'art, comme Henry l'a annoncé.


Comment décririez-vous votre art, avez-vous abandonné le graffiti pour vous tourner vers l'abstraction ?

Mon travail actuel est le résultat de multiples transformations antérieures, il a plus à voir avec une vision et une expression poético-picturale qu'avec la représentation d'objets ou la création d'abstractions basées sur des jeux ou des compositions de formes.

La peinture est quelque chose qui a commencé bien avant la peinture dans la rue, quand j'étais enfant, d'abord comme un jeu du regard que je pratiquais. J'ai été un enfant très solitaire, je n'ai pas eu de frères et sœurs, j'ai donc passé mon enfance pratiquement à l'intérieur de mon petit univers qui était ma chambre, là je dessinais, je peignais, je lisais beaucoup de livres d'aventures et beaucoup de bandes dessinées, je jouais à être un pirate naufragé sur une île déserte, d'autres j'étais un amérindien, bref, je vivais dans un monde parallèle très proche d'une existence fictive, entre un monde imaginaire et la réalité. Comme je vous l'ai déjà dit, je jouais aussi à suivre les formes des carrelages de la maison de ma grand-mère, surtout celles que je voyais dans l'évier alors que j'étais assis sur les toilettes, c'est ainsi que je me souviens que j'ai commencé à créer de l'art sans le savoir, à peindre avec mes yeux, à créer des formes par pur plaisir ou amusement de l'esprit.

Deux compositions abstraites de Fasim

Quelque temps plus tard, j'ai appris que c'était la même vision que celle qu'avaient les chamans et les peintres des cavernes lorsqu'ils percevaient les contours des rochers qui suggéraient des formes de bisons qu'ils traçaient et peignaient ensuite, mais d'abord ils les percevaient. Nous parlons en effet de paréidolie, qui est une perception cognitive que tous les mammifères et aussi les sapiens-sapiens possèdent et qui nous arrive à tous à un degré plus ou moins élevé, bien que je constate que les personnes les plus sensibles la perçoivent plus clairement.

Les peintres et les chamans du paléolithique croyaient qu'une membrane invisible séparait le mur du monde réel du monde des esprits, à travers laquelle apparaissait tout le monde des images dans les états de transe.

Les Egyptiens avaient aussi ce sentiment sacré avec les paréidolies, on peut le voir clairement dans la montagne de Gebel Barkal (Soudan-Egypte), où ils ont consacré un temple dédié à Amon, la montagne ayant une projection rocheuse qui ressemblait à un cobra, est devenue une montagne sacrée, très vénérée encore aujourd'hui.


Que pensez-vous de la nouvelle génération d'artistes urbains en Europe ?

Il y a aujourd'hui plus d'art urbain que jamais, lui-même héritier de l'art urbain américain ou influencé par lui. En Europe, il y a eu un grand développement depuis ses débuts. Les premières décennies des années 80 à 2000 ont été une énorme explosion de rébellion et qui se poursuit aujourd'hui.

De nos jours, l'art urbain est un mouvement qui a été déformé dans une large mesure de son intention et/ou de ses objectifs initiaux, il est passé d'une rébellion à un mouvement absorbé par le marché. Je vois deux voies claires le long desquelles le mouvement se déplace aujourd'hui ; une voie est commerciale et l'autre est celle qui préserve la rébellion et reste en dehors de la légalité.

Dans le domaine commercial, il y a une esthétique confuse où les concepts semblent avoir été intentionnellement fusionnés.

Nous pouvons parler, comme dans l'art contemporain, d'une esthétique de la marchandise, dans ce qu'on appelle l'esthétisation diffuse, dans laquelle les arts semblent être absorbés par l'hyperesthétisation de l'existence actuelle.

La théorie de la marchandise est un débat très important en Europe centrale et l'art contemporain, et à son tour l'art urbain, courent le risque de sombrer dans le vide d'un ego absolu.


Où se trouve votre atelier, comment est-il aménagé ?

Il y a une décennie, je suis venu de Barcelone pour vivre à Valence avec Merche, dans une vieille maison de fermier dans un petit village près de Valence, une grande et vieille maison, mais parfaite pour installer une maison-atelier.

Je dispose d'un grand couloir central et des pièces disposées latéralement, c'est de là que partaient chaque matin les charrettes et les animaux pour aller travailler au champ, une humble cour et en face une étable avec un étage supérieur où l'on gardait les outils, et c'est à ce niveau que j'ai placé mon atelier. Parfois, je me sens comme Arthur Rimbaud lorsqu'il écrivait "Une saison en enfer" dans l'étable de la maison familiale à Charleville.

Quand nous sommes arrivés ici, rien n'avait bougé, les précédents propriétaires avaient quasiment tout laissé, c'était vraiment incroyable de regarder là-dedans, comme quand Howard Carter a pu voir pour la première fois l'intérieur du tombeau de Toutankhamon, des choses par-dessus d'autres sans ordre apparent, parmi des meubles anciens, de vieux paniers, des valises...

J'ai dû tout nettoyer et démonter les mangeoires, mais les auges sont toujours là.

Mon atelier est divisé en trois parties : les deux murs latéraux sont destinés à la réalisation de toiles de grand format et la partie centrale est une grande table pour travailler sur papier, et sur les murs j'ai des supports mobiles pour travailler sur des œuvres de moyen format. Il n'est pas très grand, mais il est pratique car je peux accéder rapidement à ce que je cherche.


La crise du Covid-19 a-t-elle influencé votre activité artistique ?

Oui, elle a influencé mon travail et elle a beaucoup transformé mon expérience. C'est ma vision du monde qui a été le plus transmutée. Mon travail est le reflet de mes pensées, de mon vécu, ce n'est pas un travail de routine, mon atelier ne fonctionne pas de manière mécanisée, ce que je peins est étroitement lié à ce que je crois, ressens ou perçois du monde au quotidien, c'est un acte poétique.

La crise la plus profonde est celle du changement climatique à mon avis, elle influence le fait que nous avons déjà traversé deux crises d'affilée. Depuis 2007, la première crise économique mondiale comme vous le savez bien et en 2019-2020 la crise sanitaire, donc il a été assez difficile de simplement vivre normalement. 

Mais heureusement, j'ai pu continuer à peindre, ce qui pour un artiste est un luxe.


Avez-vous une expérience artistique à partager avec nous ?

Je me souviens qu'adolescent, je me rendais souvent le soir au parc Güell d'Antoni Gaudí à Barcelone, à une époque où il n'était pas fermé la nuit et où seuls quelques habitants s'y rendaient. C'était une rencontre mystique, car le parc est une création vivante sur le Monte Carmelo. Une idée brillante à mon avis du grand architecte, une urbanisation de résidences près de la ville mélangeant la nature et le modernisme (art déco catalan). En son temps, elle a été jugée comme une œuvre excentrique, elle n'a pas eu le succès escompté et a fini dans un parc public.

Nous y sommes allés pour nous imprégner de l'atmosphère nocturne, où il semble que vous marchez à l'intérieur d'un dragon magique qui vous a englouti, cela vous transporte vraiment dans une autre dimension, une pure joie esthétique et spirituelle, très inspirante.


Quels sont vos projets pour la fin d'année 2021 ?

Cet été, j'ai édité des gravures que j'avais reportées et préparé une nouvelle série de peintures.

Je commence également deux livres, l'un est une expérience dans le style ancien des cut-ups de Tristan Tzara, Brion Gysin, Julio Cortázar ou William Burroughs. Ce sont des textes poético-littéraires-picturaux-fantastiques, qui fusionnent des éléments du roman noir, de la poésie ou de la narration surréaliste. Il y est question de jungle, d'hommes-serpents, de tigres qui parlent...

Tout cela est très onirique. C'est ma première incursion dans la littérature et j'aime que le style soit subversif et hallucinatoire, qui ne mène apparemment nulle part, comme dans les rêves, qui semblent manquer de logique, mais cachent des sens cachés.

Un mural peint par Germán Bel en Espagne

L'autre texte que j'écris est une idée que j'ai depuis longtemps et il s'agit de mes pérégrinations dans l'origine des graffitis à Barcelone, mais je ne fais que commencer donc je ne peux pas vous en dire beaucoup plus.

Je vais également participer à une exposition collective aux îles Canaries, à Tenerife, avec 50 grands artistes urbains et contemporains, dans le cadre du Boreal Festival.


Quelle est votre œuvre d'art préférée ?

J'ai beaucoup d'œuvres préférées, il faudrait que j'en choisisse une et c'est très difficile, donc je vais en citer quelques-unes ; comme les peintures murales de la maison de "la quinta del sordo", les célèbres peintures noires que Goya a peintes sur les murs de sa maison, je pense que ce sont les peintures les plus intenses qui existent, nous pouvons les voir au musée du Prado avant que l'hacienda ne s'effondre, elles ont dû être arrachées du plâtre et transférées sur la toile avec une technique révolutionnaire pour l'époque appelée "strappo" quelques années avant que l'hacienda ne s'effondre.

Vieux souliers, Vincent van Gogh, 1887

Ou encore Vieux souliers (1887) de Vincent van Gogh et Vue de Cagnes (1924) de Chaïm Soutine.

Sans oublier les œuvres du monde antique, comme l'imposante sculpture de la déesse Sekhmet ou les cratères peints d'Euphronios.

Pour finir, je mentionnerai bien quelques œuvres contemporaines telles que Ball de carn (1994) de Miquel Barceló ou le formidable For Paul Celan: Flower of Ash (2006) d'Anselm Kiefer.


Pour terminer les interviews, nous demandons généralement une citation qui vous inspire, une petite idée ?

"La beauté est le mélange du fini et de l'infini dans les bonnes proportions." Platon


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